Pablo Díez, Director de Fotografía

Pablo Díez es uno de los directores de fotografía de vanguardia en España. Un innovador que trata de plasmar una nueva luz a los nuevos géneros que el cine español de nueva cuña está importando.

Su trabajo es la clave para que el cine siga pareciendo eso, cine, y no es un trabajo sencillo. Hacer que una película luzca de una forma u otra es algo que requiere técnica e intuición.

Con todo esto en mente, mandamos a nuestro intrépido cinéfago Iván Ledesma al Festival de Cine de Sitges, donde abordó a Pablo Díez con una magnífica entrevista que “el cinematographer” contestó de muy buen grado.

Iván Ledesma: Una foto en blanco y negro de un señor mayor caminando hacia un sol que entra levemente en cámara… Esa es la imagen de presentación de su página web (www.pablodiez.es) ¿Le define como director de fotografía?
Pablo Díez: Define mi búsqueda constante, ese camino en que la vida nos lleva a buscar la luz. Si no tenemos luz no hay camino, y sin camino no hay alma.

Como director de fotografía lo mas importante para poder trabajar con la luz, es poder trabajarla de “ dentro a fuera “, buscar la luz en el interior de cada historia,de cada personaje, y no construir esa luz desde la distancia pensando en como iluminar al personaje. Así es como encuentro el alma a cada historia.

Siguiendo con esa imagen, ¿blanco y negro o color? ¿Cómo tomar esa decisión?
En concreto esa imagen es en blanco y negro para focalizar la atención hacia esa luz, y huir de otro tipo de distracción. El color lo ligo bastante a los estados de ánimos, y no tiene porque ir relacionado el color con la alegría y el blanco y negro con la melancolía, un blanco y negro puede estar lleno de ilusión, y un color caer en la tristeza mas absoluta.

Si que es cierto, como decía el gran Nestor Almendros, el blanco y negro nos ayuda a salir de la realidad con la que estamos acostumbrados a ver la vida, por lo tanto hacer algo diferente, o artísticamente mas atractivo puede resultar mas fácil, por lo mismo que si fotografías en blanco y negro y te queda “ feo “ es que lo estas haciendo muy mal.

¿Qué ha ganado el cine con la incorporación digital en el proceso de rodaje? ¿Ha perdido algo?
Yo creo que ha ganado entre mucho y muchísimo, la tecnología esta para aprenderla, comprenderla y hacerla nuestra, una vez forma parte de nosotros con la misma naturalidad con la que respiramos, es cuando es una fantástica herramienta para poder crear. Mientras mas herramientas, mas se abren las posibilidades en ese momento de creación. Incluso cuanto mas evoluciona la técnica, mas artesanal se vuelve un trabajo.

Tecnológicamente con el analógico habíamos llegado a un tope, por eso creo que la incorporación del proceso digital hay que asumirlo con absoluta naturalidad y no buscar confrontación en que es mejor o peor, no tiene sentido.

La mayor parte de la acción de su película ‘Lucas’, transcurre en el interior de una desangelada celda en la comisaría de un sheriff. ¿Es difícil para un director de fotografía dibujar el avance de la acción dramática en una sola localización? ¿Cómo se planteó el trabajo fotográfico en esta película?
Os explicaré hasta donde pueda, ya que la película esta en el proceso final de posproducción, en breve se estrenará y no me gustaría desvelar nada. Pero puedo decir que ha sido uno de los trabajos, que aunque a priori pudiera parecerlo, para nada han sido monótonos. Hay un transcurso de tiempo donde la luz y el color van sufriendo una progresión en la calidad, contraste y densidad de esta luz, que a la vez refuerza los cambios y giros que la historia va sufriendo. Con Clara Alvarez, directora de arte de la película, la cual hizo un grandísimo trabajo, vimos muy claro desde el principio que camino tomar, y trabajamos muy unidos en el diseño del espacio para reforzar este transcurso de la luz en el tiempo.

¿Existe la ‘casualidad’ en algún momento de su trabajo?
Sí, absolutamente. Aunque un rodaje lo llevamos super planificado, cuando todo lo sumas en el momento de rodar, siempre hay elementos que no pensabas o no sabías que formarían parte de esa ecuación. Grandes momentos de la historia del arte están llenos de maravillosas casualidades.

En otra de sus películas, ‘Cornelio’, llama la atención la coexistencia dentro del mismo plano de dos tipos de luces tan extremadamente opuestas. Me refiero a ese tono azul frío junto a puntos cálidos de luz. ¿Por qué este planteamiento de iluminación?
Por norma general me gustan los contrastes, tanto en el color, como en la luz. En este caso buscamos un contraste no solo en el color, con el uso de colores fríos enfrentados a cálidos en un mismo plano, si no que buscamos el contraste en el propio estilo de la película. Una película de época, ambientada en los años 80 con una fotografía moderna, típica del cine blockbuster actual, llamada teal&orange, donde conviven esas tonalidades azules / cían con los tonos de piel y los naranjas .

Echando la vista atrás, ¿recuerda cómo empezó en esto de la fotografía cinematográfica? ¿Observa su vida cotidiana bajo el prisma de fotógrafo? ¿La vida está ‘mal iluminada’ o, por el contrario, cada acción lleva la luz que necesita?
Empecé por tradición familiar, mi padre trabajaba en la televisión, yo sabía que me gustaba y que quería dedicarme, pero no tenía muy claro que hacer. A la vez, otra de mis grandes pasiones ha sido la música, lo he intentado pero como músico he sido muy malo, aún de vez en cuando, cuando tengo ocasión toco la batería, pero siempre me he sentido un músico frustrado. El mundo de los videoclips ha sido donde he podido unir mis dos grandes pasiones, al principio empecé realizando videoclips, de grupos amigos, de muy bajo presupuesto, donde evidentemente no teníamos dinero para contratar a un director de fotografía y me tocaba hacerlo a mi. Es ahí donde empece a comprender la necesidad de trabajar la luz, y descubrí mi gran pasión que he tenido la suerte de convertir en mi profesión.

Parte de nuestro trabajo es observar, observar y observar, y el prisma del fotografo viene de serie, aunque muchas veces hay que intentar distanciarse, y eso no es fácil. Ahí es donde te das cuenta quela luz en la vida esta allí y todo dependerá de como nosotros la interpretemos. Es como una canción, una vez el autor la deja volar, cada uno de nosotros la interpretaremos con nuestra propia historia, y pasara a formar parte de nosotros, para unos podrá ser triste, y para otros transmitirnos ilusión.

¿Entonces la labor del fotógrafo consiste en re interpretar esa realidad y transmitirla a la historia?
La labor del fotografo consiste en interpretar la realidad de cada historia, y mientras mas fuentes tengamos, nuestra paleta sera mas amplia. Por eso la importancia de observar la realidad y la irrealidad que nos rodea.

Usted ha trabajado en multitud de spots publicitarios y vídeos musicales. ¿La labor del director de fotografía en estos formatos es distinta?
Intento que no, aunque este tipo de trabajos va acompañado de otros intereses, como la publicidad, mi búsqueda sigue siendo la misma, si no le encuentro el alma, por ejemplo, a esa mantequilla untando una tostada, el trabajo estará vacío y no será bueno. Un buen spot tiene que transmitir, y ser honesto en el planteamiento fotográfico, si no pierde toda credibilidad. Y en el mundo de los videoclips, suele ser un fantástico banco de pruebas, tanto a nivel de equipos de rodaje como de propia experimentación personal. Y para mí, una forma de poder estar muy cerca de la música.

Dos de sus películas, ‘Cobayas, human test’ y ‘Battle games’ basan gran parte de su metraje en escenas de acción. ¿Cómo se enfrentó usted a estos trabajos donde la cámara no para ni un solo instante?
Me gustan mucho las películas de acción, y rodándolas suele ser tan dinámico como emocionante. Son trabajos, donde la fotografía no debe condicionar nada, al contrario, dar servicio y facilidad a secuencias que suelen ser muy complicadas con caídas, explosiones, coreografías, persecuciones … es muy importante que tengan el máximo espacio donde moverse las cámaras y los actores. Es algo que suelo insistir mucho a mis alumnos cuando imparto alguna clase, no podemos iluminar los elementos de un plano, actores, atrezzo … hemos de ambientar espacios así dejando el set amplio y cómodo para que los actores se muevan dentro de el, y no seamos nosotros los que vayamos detrás de los actores poniendo luces, ya que esto dificulta mucho el trabajo del actor. El genero de la acción te ayuda mucho a aprender a ambientar espacios y no a iluminar elementos de la escena, muy útil no solo en este genero, si no en cualquier película en general.

Por último, ¿le queda a Pablo Díez algo por hacer?
Muchísimo, aprender y seguir buscando la luz.

 

Iván Ledesma
para CineActual.net